Что происходит с галереей, когда вокруг нее меняется все? K35 существует на московской арт-сцене с 2008 года и за это время успела изменить собственный фокус, расширить привычный формат и выйти за пределы выставочного пространства. На Cosmoscow галерея объединила художников, работающих с разными формами и материалами, вокруг одного образа – химеры, существа, которое постоянно меняет форму. При этом предметный дизайн стал частью пространства стенда и вступил в диалог с искусством.

Мы поговорили с Марией Саавой – со-основателем и директором Галереи «К35» – о том, как галерея меняется вместе с окружающим контекстом, что помогает понять, с каким художником вам действительно по пути, зачем галерее выходить за рамки привычного формата и почему искусству иногда бывает тесно в границах одного выставочного пространства.

K35 появилась на московской арт-сцене еще в 2008 году. Как за это время изменилось ваше представление о том, какой должна быть современная галерея?

За 18 лет вокруг нас произошли колоссальные изменения, и ни один бизнес не может не реагировать на происходящее. Когда K35 открывалась в 2008 году, галерея была ориентирована на международное искусство: в программе было много европейских и американских авторов, имен мировой арт-сцены XX-XXI века. За это время мы скорректировали свое видение под влиянием внешних, внешнеэкономических и внутриэкономических факторов. Сегодня мы делаем акцент на художниках из России и стран СНГ.

Современная галерея, как и любой бизнес-организм, меняется вместе с внешними обстоятельствами. Но есть то, что осталось неизменным, – наше отношение к искусству. Мы считаем, что оно должно дарить эмоции. Это одна из наших миссий.

На протяжении всей нашей деятельности посетители, клиенты и коллекционеры спрашивают нас об инвестициях в искусство. Но угадать, во что инвестировать и какие ожидания будут у инвестора, очень сложно – это субъективно. Поэтому самое главное, что никогда не обесценится, – эмоция, которую искусство вызывает у человека здесь и сейчас.

То, что вызвало у человека отклик в момент приобретения работы, отражает его состояние и внутренний мир в этот конкретный период. И очень интересно наблюдать это в динамике: у нас уже есть определенный опыт таких наблюдений, и клиенты спустя годы делятся своими впечатлениями о работах, которые приобрели еще в начале деятельности K35.

Если коротко, наше представление о том, какой должна быть современная галерея, глобально не изменилось. Галерея должна дарить эмоции, вызывать отклик, менять и развивать своих посетителей и клиентов. Это остается неизменным. А с более бизнесовой точки зрения, конечно, изменения большие.

Как вы понимаете, что с художником или работой вам по пути? Есть ли качества, которые для K35 принципиально важны при выборе новых авторов?

Помимо профессионализма художника, мы всегда смотрим на его резюме: где он учился, как развивалось его творчество. Если это молодой художник, для нас важен здоровый поиск – не метания, а именно поиск собственного пути и языка.

Если художник уже более зрелый, мы смотрим на его выставки, проекты и работы.

Важны и личные качества. Мы работаем только с порядочными, адекватными и умными художниками. Я знаю много талантливых авторов, которые мне очень интересны с профессиональной точки зрения, но настолько не близки как люди, что работать с ними мы не будем. Я могу купить их работу в личную коллекцию, но резидентами нашей галереи они, скорее всего, не станут.

За это время у нас выработалось определенное чутье на художников и работы. Мы понимаем, что соответствует нашей идентике, что близко нам визуально и концептуально. Часто решение приходит по наитию, по какому-то внутреннему голосу. Но за ним, конечно, стоит опыт – визуальный и профессиональный.

В 2020 году появился K35 Space, объединивший искусство, дизайн и образование. Почему вам было важно выйти за рамки классического формата галереи?

Причина была довольно прозаичной: нам выпала возможность работать на большой площадке на Новой Риге. Нас пригласили открыть там проект, и, имея пространство почти в 500 квадратных метров, ограничиваться только искусством было бы нецелесообразно.

Кроме того, площадка находилась на территории Новой Риги Outlet Village – места, куда люди приходят не только за шопингом, но и для того, чтобы провести время. Поэтому нам показалось, что образовательные инициативы там были бы очень уместны, и мы их реализовывали.

С дизайном получилось так же. У нас давно были запросы на коллаборации, а опыт интеграции предметов дизайна и мебели в арт-проекты уже был. Поэтому мы решили продолжить эту работу.

Дизайн активно присутствовал на площадке, которую мы назвали K35 Space. Мы расширили границы не только формально, но и концептуально: это была уже не просто галерея, а пространство. Мы работали со стеклом, фарфором и предметами мебели, у нас была большая подборка книг по дизайну.

В итоге выход за рамки классического формата галереи был продиктован возможностями самой площадки. Возникла возможность – и мы с удовольствием вышли за эти рамки, расширив собственный кругозор и кругозор наших посетителей.

В этом году на Cosmoscow вы объединили работы Наталии Спечинской и Ирины Дрозд вокруг образа химеры – существа, которое постоянно меняет форму. Почему именно этот образ оказался актуальным для вас сегодня?

Наталия Спечинская и Ирина Дрозд представляют разные направления: Наталия – живопись, Ирина в данном контексте – скульптуру. При этом их объединяет многое: обе художницы из Санкт-Петербурга и обе резиденты арт-объединения «Непокоренные».

Нам показалось интересным объединить их и создать цельный, практически моностенд. Мы увидели общность в их творчестве – прежде всего в работе с интеграцией и сменой форм.

У Наталии Спечинской это многослойные истории, образы возрождения, современные сюжеты и дополнительные реальности с персонажами в виде инопланетян и любимого кентавра.

Ирина Дрозд работает с винтажным фарфором и внедряет в него современные, фантастические и сюрреалистичные сюжеты и образы существ. Таким образом она полностью меняет происходящее – и визуально, и по содержанию.

Поэтому нам показалось, что образ химеры очень точно отражает эту общность и концептуально подходит для формирования стенда. Поэтому мы его и использовали.

В этом году мебель на вашем стенде предоставил концепт-стор «Предметы». Насколько для вас важно, чтобы предметы вокруг искусства не просто выполняли функциональную роль, а становились частью общей атмосферы и визуального высказывания стенда?

Конечно, важно. Мы очень довольны сотрудничеством с концепт-стором «Предметы» и благодарны им. Мне кажется, бетонные столики прекрасно дополнили стенд и добавили ему концептуальности. В данном случае особенно интересно, как строительный материал превращается в предмет дизайна. И с эстетической точки зрения они очень органично вписались в пространство.

Вообще искусство всегда очень здорово разговаривает с пространством, когда этот диалог продуман. Мы безумно радуемся, когда дизайнеры или клиенты, создавая новое пространство для жизни или работы, «пляшут от искусства» и уже под него интегрируют интерьер.

В таком случае предметы вокруг искусства перестают быть просто функциональными. Они становятся частью общей атмосферы, и между искусством и пространством возникает диалог.